爵士音樂的特點
士樂的起源、含義： 爵士樂成形時間是19世紀末、20世紀初。
公認的發(fā)祥地是美國南部路易斯安那州的一個亞熱帶城市―新奧爾良。
在眾多流行音樂中，爵士樂是出現(xiàn)最早并且是在世界上影響較廣的一個樂種，爵士樂實際就是美國的民間音樂。
歐洲教堂音樂、美國黑人小提琴和班卓傳統(tǒng)音樂融合非洲吟唱及美國黑人勞動號子形成了最初的民間藍調(diào)，拉格泰姆和民間藍調(diào)構(gòu)成了早期的爵士樂。
從17-18世紀西方殖民主義者，將大批非洲黑人販賣到美洲，成為那里白人的奴隸之后，他們被強迫勞動、受盡折磨。
在田間、在勞動之余，黑奴 們懷念故鄉(xiāng)和親人，常常唱一種哀歌，以表達他們痛苦的心聲。
這種音樂也滲透在一些宗教 歌曲中。
由于藍色在美國人民中，被看作是憂郁的色彩，這種悲哀的歌曲，也就統(tǒng)稱之為Blues(藍色)。
中國音譯之為布魯斯。
我們常常從美國音樂作品中發(fā)現(xiàn)帶有Blues的曲名，如《藍色狂想曲》、《藍色的探戈》、《藍色的愛情》等。
爵士樂的另一個起源，是來自一種叫拉格泰姆的鋼琴音樂。
拉格泰姆是Ragtime這 個詞的音譯。
詞意是參差不齊的拍子。
故又稱為散拍樂。
它也是從非洲民間音樂發(fā) 展而成。
19世紀末，一個名叫司科特·喬普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人鋼琴手，創(chuàng)造了一種新風格的鋼琴音樂：右手高音聲部演奏切分音節(jié)奏很特別的主旋律或琶音。
一般 4\\\/4拍樂曲，一、三拍為，二、四拍為弱拍，而他在高音聲部每一拍半、 即三個八分音符時，就出現(xiàn)一次強音，而左手則是規(guī)律地演奏由四分音符輕重音組成的節(jié)奏， 一、三拍為低音強拍，二、四拍為和弦、弱拍。
這樣左右手形成交錯的節(jié)拍，使音樂帶有 幽默、歡樂、活潑的情趣，由于這一創(chuàng)造，喬普林被人們譽為拉格泰姆之王。
有人說Jazz這個詞，是從非洲土語Jaiza演變而來。
這個詞原意思是加快擊鼓；另一種說法是：早年新奧爾良有位樂手名叫Jasper,大家叫慣了，都叫他Jas,后來一傳再傳，就變 成了Jazz了；還有人說Jazz這個詞是由Chaz這個詞演變而來的。
早期的黑人爵士樂師多不識譜，演奏時只是憑著靈感，對所熟悉的曲調(diào)自由地進行變化。
所以帶有很強的即興性質(zhì)。
由于人數(shù)不多，三五個樂手經(jīng)常在一起合作，時間久了，彼此之間也就自然地形成一種默契。
1923年冬天，紐約皇宮樂隊 領班保羅·懷特曼找到作曲家格什溫，說他想舉辦一次別出心裁的音樂會，其中有一個能讓 聽眾大吃一驚的壓軸節(jié)目，就是把爵士樂和交響樂揉合在一起，格什溫是一位音樂革新者，他從1924年元月開始動筆，僅僅花了 一個星期的時間就完成了。
由于里面主要用的是布魯斯音階和小三度、純五度、小六度 構(gòu)成的七和弦，故將所作曲子取名為《布魯斯狂想曲》(Rhapsody in Blue)，在我國譯作《藍色狂想曲》。
這次演出大獲成功。
從此，爵士樂受到嚴肅音樂家及知識階層的重現(xiàn)，許多作曲家也竟相效仿，創(chuàng)作了許多爵士風格的音樂作品，如美國的一些音樂劇，興德米特的《舞蹈組曲》、斯特拉文斯基的《黑色協(xié)奏曲》等，都運用了爵士音樂的素材和節(jié)奏。
爵士樂音樂的特點： (1)從大音階來講，它的第三級(Mi)音和第七級(Si)音經(jīng)常是降低一些(平時講是降半音，實際上不到半音)。
有時第五級(Sol)音也降半音。
這些降音還常輔以滑音和顫音，因而更加強了歌曲憂郁、悲傷的色彩；由于有以上這些特點，按這種方法形成的音階，人們稱之為布魯斯音階。
(2)旋律中多用切分節(jié)奏和三連音，形成輕重音顛倒； (3)節(jié)奏多為雙拍，通常為4\\\/4拍，也有部分是2\\\/4拍 ； (4)從歌詞、曲調(diào)結(jié)構(gòu)上講，布魯斯多采用對稱的、帶音韻的兩行詞。
第一句重復一遍。
每段曲調(diào)12小節(jié)，每句4小節(jié)，從而形成：‖∶ A ∶‖＋B三句的固式曲式結(jié)構(gòu) (5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、屬和弦(Ⅴ)和下屬和弦。
(Ⅳ)，因此，和聲聽起來很和諧，而且樸素。
其他特點因素： 爵士樂的演唱利用無意義的“襯詞”在即興的規(guī)則下形成了風格獨特爵士唱法。
爵士樂的切分節(jié)奏復雜多樣，特別是跨小節(jié)的連續(xù)切分經(jīng)常將原有的節(jié)奏整小節(jié)移位，造成一種飄忽不定的游移感。
原來的4／4拍節(jié)奏經(jīng)改變后變成了3／16拍。
爵士樂的旋律經(jīng)常采用布魯斯音階（ 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 ）來形成它的特點，有時還在布魯斯音階的基礎上增加＃4和其他一些變化音，使其變得更加豐富多彩 。
爵士樂的和聲比流行音樂和聲要復雜得多，它以七和弦為基礎，并且大量的運用擴展音（如：9音、11音、13音）和替代和弦，有時還經(jīng)常出現(xiàn)連續(xù)的下行純五度副屬和弦進行，使其呈現(xiàn)出豐富多彩的和聲效果。
即興是爵士樂手（或歌手）必練的演奏（或演唱）技巧之一 。
爵士樂的一些變化分支： 早期爵士樂 早期的爵士樂（1900—1917）曲目有32小節(jié)、4樂句的AABA流行歌曲式的曲調(diào)；有4樂節(jié)、兩個調(diào)的拉格泰姆曲調(diào)；還有12小結(jié)的器樂布魯斯曲調(diào)。
拉格泰姆樂曲的和聲節(jié)奏傾向于比另兩種更快的速度。
布魯斯樂曲的和聲節(jié)奏最慢，但它的獨奏旋律線的變音轉(zhuǎn)調(diào)較多，起音不一，音高變化也不少。
早期歌曲曲目中也有很多以“布魯斯”作名稱，而實際上是流行歌曲或別的什么同源形式。
早期爵士樂隊的設置平均為8位樂師。
在新奧爾良風格爵士樂隊的固定形式上增加了兩件樂器。
有時添一支短號和一件節(jié)奏樂器，有時加一把小提琴為領奏。
在演奏過程中，樂隊的每個成員，不僅僅是獨奏者，都要做即興演奏。
彼此之間自發(fā)的互相謙讓與合作，只受和弦進行結(jié)構(gòu)的限制，這種新的聲音在20世紀初期任何聽眾以下就能辨認的出，它就是“爵士樂”。
自由爵士 自由爵士產(chǎn)生于60年代，這種全新的音樂剛一出現(xiàn)，就深受廣大爵士音樂家和爵士樂迷的喜愛。
自由爵士不同于以往爵士樂，在和聲、旋律方面沒有太多的限制，演奏者在演奏過程中可以自由、大膽、隨心所欲的發(fā)揮。
自由爵士具有全新的節(jié)奏概念，節(jié)拍、對稱性被統(tǒng)統(tǒng)打亂，同時，它也強調(diào)音樂本身的強度與張力，加入大量的不諧和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音樂融合到了一起，采用了印度的西塔爾琴、塔布拉雙鼓、擴音拇指鋼琴、警笛和大量的電子設備及打擊樂器，因此，有些自由爵士樂隊看上去就象一支非爵士的先鋒派樂隊。
搖擺樂 二十年代末，美國出現(xiàn)大蕭條，爵士樂也隨之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等場所，致使出現(xiàn)了一些更適合跳舞的爵士樂隊——搖擺樂大樂隊。
最早出現(xiàn)的搖擺樂隊是Fletcher Henderson（費萊切·漢德森）的大樂隊，但使搖擺樂真正確立樂壇的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大樂隊的成功，直到1946年大樂隊時代結(jié)束為止，搖擺樂一直是流行樂壇上一支重要的力量。
搖擺樂不同于早期的爵士樂，在演奏過程中不太注重合奏，反而更加強調(diào)獨奏。
個人的即興主要以旋律為基礎，與以前的演奏相比，這更具有冒險性。
這時期許多爵士藝術(shù)家經(jīng)常與一些歐洲經(jīng)典樂藝術(shù)家一起交流、探討、相互借鑒，所以在搖擺樂中你也可以聽到貝多芬、勃拉姆斯的回響。
搖擺樂繼承了早期爵士樂的一些傳統(tǒng)，同時也開辟了個人表演的新領域，許多大樂隊的樂手后來都成為爵士巨星。
Cool爵士 1950年，Miles Davis九人小組推出的專輯《The Birth of The Cool》，標志著Cool爵士的產(chǎn) 生。
Cool爵士選用的音調(diào)是輕柔的、淡雅的，音質(zhì)柔和干爽。
獨奏中，帶給你一種柔和舒緩、克制的感覺。
其重奏部分微妙深奧，有時讓你聯(lián)想起歐州經(jīng)典室內(nèi)樂。
Cool爵士雖然也揉進了Bop的音調(diào)、旋律與和聲的優(yōu)勢，但是比Bop的即興演奏更舒緩平滑，音色更加和諧，與Bop相比，Cool爵士樂經(jīng)常突出體現(xiàn)一種松弛感，而沒有Bop那么強的內(nèi)在張力。
Cool爵士鼓手也更加安靜，不干擾其他音色，總而言之，Cool爵士風格是節(jié)制的，“點到為止”，這正是為什么其樂迷稱之為“Cool”的原因。
Fusion 二十世紀七十年代，F(xiàn)usion音樂漸漸發(fā)展起來，它的最初定義實際上是一種融合了爵士樂即興和搖滾樂節(jié)奏的音樂。
然而隨著流行音樂、節(jié)奏布魯斯以及各種音樂形式在世界樂壇逐漸繁榮，F(xiàn)usion音樂又將這些音樂風格加以借鑒，我們現(xiàn)在所熟悉的Fusion音樂，其實已經(jīng)成為一種冠有爵士樂名稱的混合型音樂。
Regtime Regtime（拉格泰姆）爵士樂融合了歐洲古典音樂和歐洲軍樂的特點而產(chǎn)生的。
他打亂了古典音樂中嚴格的節(jié)拍規(guī)律，有演奏者掌握節(jié)奏的遲緩。
樂曲的進行通常是起奏延緩，隨即強調(diào)音節(jié)，這種風格在當時的鋼琴演奏中極為常見。
Regtime爵士樂在二十世紀出的十五年中非常盛行，雖然這種風格對爵士樂的形式具有非常重大的影響但是因為 它缺乏Blues的感覺和沒有即興感覺，所以并不能稱之為真正的爵士樂。
Bebop “Bebop”一詞源出自爵士音樂家在練聲或哼唱器樂旋律時發(fā)出的毫無詞義的音節(jié)（或無意義的狂喊亂叫）。
比波普的樂句經(jīng)常在末尾以一個很有特色的“長一短”音型突然結(jié)束，而這個節(jié)奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。
這個詞初次出現(xiàn)在印刷品上是作為吉列斯匹6人樂隊于1945年在紐約錄制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop發(fā)展于搖擺時代次中音薩克斯手Lester Young和Don Byas鋼琴手Art Tatum和Nat Cole, 小號手Roy Eldgridge, 巴錫伯爵的節(jié)奏樂器組，還有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音樂通常由3至6人組成的小型爵士樂隊演奏。
他們不用樂譜，這一點正是他們用來對抗搖擺樂使用改編樂譜的準則。
演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小節(jié)的布魯斯則演奏兩次），接下來是在節(jié)奏組（一般是鋼琴、低音提琴和鼓）伴奏下的幾段即興獨奏疊句，再重復第一疊句的旋律結(jié)束全曲。
節(jié)奏組自始至終重復著全曲的和聲音型（包括變化音型），以保持樂曲的結(jié)構(gòu)。
怎樣區(qū)分爵士作曲家，即興家，編曲家
作曲家的話，就是從無到有，一個旋律的產(chǎn)生，這個叫作曲。
即興的話，顧名思義，就是沒有經(jīng)過長時間的思考，改動，直接作曲或編曲編曲家的話，就是在一段簡單的旋律的基礎上，將這段旋律作出它的具體演繹方式。
打個比方，一首歌可能有很多種調(diào)的唱法，但是基調(diào)是差不多的，那些有變化的就是編曲。
以上為個人理解~
什么叫爵士音樂
爵士音樂，是英文Ｊazz的音譯。
有些人以為，&127;爵士音樂就是外國的下流舞曲，都是些不健康的、腐朽的東西，其實，從它的起源和流行情況來，遠不能這樣一概而論。
爵士音樂淵源于非洲黑人音樂。
17世紀初，當大批黑人被販賣到美洲淪為奴隸時，他們也把自己故鄉(xiāng)的音樂帶到了美洲。
黑人們熱愛歌舞，在那些備嘗艱苦的年月里，他們總是在歌聲中尋求寄托，彼此安慰。
于是這種帶有非洲旋律和節(jié)奏特色的音樂，就在美洲流行起來。
黑人善于演奏器樂。
早先，他們的樂器主要是弦樂。
自從19世紀60年代美國內(nèi)戰(zhàn)結(jié)束后，解放了的黑奴獲得了許多內(nèi)戰(zhàn)時士兵們留下的銅管樂器。
他們在吹奏時創(chuàng)造性地用銅號模仿人的嗓音，把軍號變成了“能唱歌的管子”，這也就成了日后爵士音樂的一個基本特征。
爵士音樂的另一個特色，是種叫作“瑞格泰姆”的鋼琴曲──演奏者右手在以各種突然的方式改變節(jié)奏時，左手的節(jié)奏卻固定不變，從而產(chǎn)生一種切分音的效果。
爵士音樂是作為窮苦黑人的“娛樂音樂”發(fā)展起來的。
演奏這種樂曲的，最初只限于黑人聚居地區(qū)的小酒吧、小舞廳。
那些“高等白人”是不悄于到這種場所來的。
但是，隨著爵士音樂的流行，許多白人樂隊也開始模仿這種曲調(diào)，并發(fā)展出一種被稱為“狄春斯蘭”的快速舞曲，但仍以黑人音樂作為基礎。
到了本世紀20─30年代，爵士音樂已經(jīng)成了一種深受西方廣大群眾歡迎的音樂形式。
它已不僅是一種伴舞的樂曲，而且也發(fā)展為專供欣賞的音樂。
出現(xiàn)了許多著名的爵士樂隊、演奏家和歌手，許多受過高等音樂教育的人也參加了這種樂隊，或為他們譜曲。
欣賞音樂的經(jīng)歷100字，描繪出當時的情景和感受。
感受音樂作品欣賞的感受 我覺得我是非常喜歡音樂的一個人。
任何時候，只要電視或電臺上播放音樂節(jié)目，我都會很愉快的欣賞其中的音樂。
在我還很小的時候，大我5歲的堂哥是個流行音樂愛好者，那時候的他經(jīng)常買來劉德華，鄧麗軍，Beyond的音樂磁帶，經(jīng)常性的播放。
我聽得多了，自然也就跟著喜歡上了。
但在那時，音樂對我來說應該只局限于流行音樂。
后來慢慢長大，接觸的音樂類型越來越多，但是很少真正的深入的去欣賞。
所以對音樂的認識還是非常膚淺的。
直到我這學期參加了音樂欣賞這門課，才讓我對音樂世界有了更多的更深刻的認識 2 陸地上的人都在為了自己的榮耀，金錢等等絞盡腦汁，費盡心機。
而1900活的很自 在，他是自由的。
為了音樂而生，為了坐在船上感覺枯燥的人而給他們快樂。
悠悠揚揚的琴聲，跨不過滄海。
卻在人們心中留下了印記。
“一個上了陸地就不能演奏的鋼琴家”，他們對他的評價，也有人說他不用下船就可以得到自己想要的一切。
可是回頭想想，1900想要的到底是什么呢
不是漂亮的女人，不是擁有無盡琴鍵的鋼琴，不是金錢，不是房子，在陸地上人們想要的都不是他想要的。
他為了自己而活，與音樂同在。
有他在，就一定有音樂。
就算那首悠揚的曲調(diào)是在他心里被一邊又一邊的演奏。
但他的內(nèi)心又有幾個人明白
康么
活在音樂中孤獨的人，不，他并不孤獨。
他是歡快的，就算他死去，他也是快樂的。
他從不后悔自己的選擇。
選擇不上岸，選擇吻他的心上人，選擇之中別人無法明白的方式來活著。
如果他上了岸，就是廢了，沒有了靈感的源泉，沒有了創(chuàng)作的動力。
對于他來說，在生活中沒有音樂還有活著的意義么
3無論它是快樂的，希望或不堪回首…… “The Legend of 1900海上鋼琴師”改編自意大利小說名家Alessandro Baricco的獨白劇，講述一位誕生于海上的音樂奇才，精采不凡且富爭議的一生。
他以出生年代“1900”為名，成長于往返太平洋間，任風浪翻騰的蒸氣船上。
天賦異秉的鋼琴才華吸引了爵士樂史上普遍公認為“第一位巨匠”的Jelly Roll Morton注意，特地前來船上與他較量。
而這位從未接觸過陸地的鋼琴師，更因著對愛情與新世界的好奇，離開他原有的世界，去尋求更美的理想…… 為本片***刀配樂的是世界電影界著名和資深的意大利最具風格的作曲家——埃尼奧·莫里康內(nèi)(Ennio Morricone)，從處女作《法西斯分子》到后來的《西西里的美麗傳說》，這位大師參與制作的各國電影配樂已不下400部了，故被音樂界冠以最多產(chǎn)的作曲家美譽。
現(xiàn)時已經(jīng)是70多歲高齡的他，仍擁有豐富的創(chuàng)作靈感和素材，在《海上鋼琴師》里，大師以鋼琴為主配合適當?shù)墓芟覙泛褪覂?nèi)樂創(chuàng)作出音色醉人、旋律優(yōu)美和風格雋永的迷人樂章。
《海上鋼琴師》的原聲CD由著名發(fā)燒廠家索尼唱片公司出品，同樣是質(zhì)量和信心的保證，整部配樂就仿如一杯香醇的陳年舊釀那般沁人心脾，令人聞而不忘，回味無窮 4 海上鋼琴師》又名《1900傳奇》(The Legend of1900),講述了一位終身生活在海上的 音樂奇才1900的精彩不凡且極富爭議的一生。
電影的故事就是以音樂,確切地說是以鋼琴和爵士樂為背景。
為《海上鋼琴師》配樂的是世界電影界著名和資深的意大利最具風格的作曲家顏尼歐·莫里康尼(Ennio Morricone)。
在《海上鋼琴師》里,大師將上個世紀初風靡世界的爵士音樂與男主人公1900精彩而宿命的一生巧妙地聯(lián)系在一起。
用鋼琴完成了對生命意義的獨特探索。
影片是從小號手麥克斯對好友的強烈思念開始的,隨著他滿懷失落和惆悵之情的內(nèi)心獨白,在影片片頭,我們看見有許多目光中飽含憧憬的移民,乘坐一艘大客輪“弗吉尼亞號”來到了新大陸。
激動人心的音樂主題,終于在第一個人的呼喊中蓬勃而出,恢宏大氣而又質(zhì)樸厚重。
細致優(yōu)雅的旋律性有如John Barry的唯美風格,然而當鋼琴登場的一剎那,給人帶來了心靈的震撼,莫里康尼又一次展現(xiàn)他將不同音樂體裁合而為一的手法,在管弦最深刻動人的時刻,隨性而至地切入幾段即興浪漫的爵士鋼琴,營造出令人驚艷的效果,信手捻來間即將爵士音樂處理得這般瀟灑...... 5 “1900" Theme”是整部配樂的主軸，同時也是故事的Love Theme，莫里克 奈在兩段戀曲“Playing Love”與“Silent Goodbye”中，將這個主題做了十分優(yōu)美的演繹，其中“Playing Love”與“Silent Goodbye”的風格與《新天堂樂園》的Love Theme表現(xiàn)手法十分接近，“Playing Love”帶了一股清新悠然的甜美，而“Silent Goodbye”的弦樂則鋪陳出懷念感傷的感觸，至於Track 16是一首細膩抒情的鋼琴獨奏，充滿了深刻動人的款款柔情。
另外比較特殊且十分搶眼的主題變化是The Legend Of The Pianist，莫里克奈將主題由遙遠的懷念，變化出開闊飛揚，閃亮興奮的神采，雖然音樂本身和《鐵達尼號》全然不同，不過倒有幾分讓人聯(lián)想起《鐵達尼號》啟航時的高昂情緒，交響編曲的處理展現(xiàn)了一如《鐵面無私》的奔放與力量，不過感覺上，《海上鋼琴師》有更優(yōu)美的主題旋律，更豐沛的情感，與更富傳奇色彩的悠遠美感，這首作品又與最后一首配樂作品“Ship And The Snow”，形成一種前后呼應的整體色調(diào)，“The Legend Of The Pianist”以燦爛興奮的神采揭開了一個傳奇故事的序幕，而“Ship And The Snow”則以深邃收斂的情緒為傳奇故事劃下休止符，不過其實那并不真正是一種”結(jié)束”的感覺，更像另一個開始，畢竟所有的傳說最美的地方，正是在於它們并沒有確切的結(jié)局。
整部配樂藉著脫俗深刻的“1900"s Theme”，描繪出主角1900不凡的人生際遇與深刻的感情世界，因此，在原聲帶的結(jié)尾，莫里克奈與Roger Waters，Edward Van Halen等大師，更進一步將1900"s Theme改寫成真摯深邃，詩意動人的主題曲“Lost Boys Calling”，聯(lián)手打造出今年電影主題曲的代表作。
爵士風格的音樂有什么風格??
Classic（古典爵士） 并不是的二代的爵士樂都可以入新奧爾良爵士樂或是迪克西蘭爵士樂之二十年代是爵士樂的時代，爵士樂風格的舞廳樂隊為爵士樂的流行起了重要的作用。
以獨奏為主的即興演奏也隨爵士樂本身的發(fā)展而受到越來越多的重視，日益增多的演奏銅管樂器的獨奏者以及在編曲方面的探索預示了搖擺樂時代的到來。
在這個時代的大多數(shù)的爵士樂都可以被冠以古典爵士樂的名稱，許多現(xiàn)代的古典爵士樂的復興者從Fletcher Henderson，克拉倫斯·威廉斯和Bix Beiderbecke的音樂中獲取靈感，他們可以被視為這種開放性的音樂風格的繼承者。
代表人物 Kid Ory Jelly Roll Morton Louis Armstrong 冷爵士（Cool Jazz） 冷爵士出現(xiàn)于四十年代末，盛行于五十年代，是一種柔美的爵士樂風格。
由于集中在美國西海岸，故又稱“西海岸爵士”（West Coast Jazz）。
對于冷爵士可以用八個字來概括，即“溫馨、典雅、舒緩、放松”。
從演奏形式上看，冷爵士有點類似于古典音樂中的室內(nèi)樂，樂隊一般由3～6名樂手組成，其中最典型的是由鋼琴、貝司、鼓組成的爵士三重奏。
薩克斯、小號、顫音琴等樂器也經(jīng)常在冷爵士中作為主奏樂器出現(xiàn)。
從音響上分辨，冷爵士總是給人一種松弛、悅耳的感覺，每種樂器互不干擾點到為止。
冷爵士的另一特色體現(xiàn)在鼓的演奏技巧上，鼓手一般都用鋼絲制成的鼓刷進行演奏，對音色的控制極為細膩。
因此，成千上萬的酒吧、咖啡廳里至今仍然以冷爵士作為背景音樂洗盡塵世的喧囂，為人們提供著清新自然的柔美之音。
代表人物： Miles Davis，1926～1991 Dave·Brubeck，1920～ Chet Baker，1929～1988 Gerry Mulligan，1927～1996 Gil Evans，1912～1988 新奧爾良爵士（New Orleans Jazz） 新奧爾良爵士是指三十年代（指二十世紀，下文中如未作注明均指二十世紀）以前的傳統(tǒng)爵士樂，興起于新奧爾良，盛行于芝加哥，是迪克西蘭爵士（Dixieland Jazz）和芝加哥爵士（Chicago Jazz）的總稱。
我們所能聽到的最早的爵士樂就是新奧爾良爵士，它出現(xiàn)于1917年（第一張爵士樂唱片誕生于1917年）。
從唱片的音質(zhì)上辨認，這個時期的唱片大多數(shù)都是用留聲機播放的密紋唱片，音質(zhì)較差，帶有沙沙的噪聲，并且缺乏立體感（第一批立體聲唱片誕生于1958年）。
從音樂形象上辨認，新奧爾良爵士講究合奏，給人的感覺是激烈、興奮并充滿生機的。
樂隊編制一般為小號（或短號）一至二人吹奏主旋律，單簧管一人吹奏副旋律，長號一人吹奏固定低音，貝司（或大管）、鼓各一人擔任節(jié)奏。
后來又增加了薩克斯，使其從此成為爵士樂隊的一大特色。
新奧爾良爵士作為最早的傳統(tǒng)爵士樂已被歷史永久記載，但是作為有聲爵士樂的源頭，如今聽起來還是別具一番風味。
代表人物及樂隊： Original Dixieland Jazz Band Jelly Roll Morton，1890～1941 King Oliver，1885～1938 Sidney Bechet，1897～1959） Louis Armstrong，1901～1971 Big band 是指一組十個或以上的音樂家組成的爵士樂團，其成員結(jié)構(gòu)通常為：至少三個小號手；兩個或更多的長號手；四個以上的薩克斯手和一個負責節(jié)奏部分，并結(jié)合鋼琴、貝斯和鼓幾種樂器進行伴奏的樂手。
盡管在1930年代和1940年代，在搖擺樂時代之前，有過大量的主要音樂風格的舞蹈樂隊并且在搖擺樂時代之后又有著大量的主要音樂風格的現(xiàn)場樂隊。
但對于大多數(shù)樂迷而言，Big band音樂仍然代表著搖擺音樂，盡管在搖擺樂誕生后繁衍出那么多以相似的手法演奏的風格迥異并且美如天籟般的和聲與絕妙節(jié)奏的年輕樂手和歌手，當唱片店將大量的爵士樂手的作品擱置在一起，就好象它們都是同一種風格似的的時候，出現(xiàn)了分類的問題。
商人們在將所有的大型爵士樂團的音樂進行大融合的同時，他們卻忽略了演奏不同風格爵士樂的大型樂團的次第登場：搖擺樂（艾靈頓公爵與貝西公爵）；比波普（迪茲.吉勒斯皮埃）；酷爵士（蓋瑞。
姆里根，庶迪。
羅杰斯，吉爾。
艾文斯）硬波普（杰拉德。
威爾遜）自由爵士（Sun Ra 1950年代后的部分作品）爵士搖滾（Don Ellis" 和 Maynard Ferguson"的樂團 1970年代作品） 。
他們并不都是搖擺樂隊。
許多的聽眾認為big band 代表著一種風格，而不僅僅是一種作曲方法。
對他們而言，其旋律的編寫和獨奏的插入都是根源于1930年代所有大爵士樂團大融合時期的，其獨特的節(jié)奏和和聲手法均有別于同時代的其他爵士曲風，例如比波普，又比如另一時代的爵士搖滾 另外一個很重要的方面就是由于1930年代和1940年代的媒體和爵士樂迷們對于爵士樂隊的等級劃分，而導致出現(xiàn)了許多復雜的節(jié)奏和頻繁的即興獨奏表演，同時也導致了搖擺樂元素和即興演奏成分的減少。
以前叫swing bands 或 hot bands （如，艾靈頓公爵與貝西公爵），后來叫sweet bands （如，Glenn Miller"s, Wayne King"s, Freddy Martin"s, and Guy Lombardo"s）。
盡管big band 時代于1946年結(jié)束，但是它卻開創(chuàng)了在爵士樂中使用大型管弦樂的先河，即使樂手們事實上并沒有專業(yè)基礎（The Count Basie Ghost Band除外）。
樂隊幾乎全都是由籌劃者領導~ Mark Gridley 代表人物 Frank Sinatra Benny Goodman Duke Ellington Swing（搖擺樂） 當新奧爾良爵士樂已經(jīng)創(chuàng)造了即興演奏的合奏之時，爵士樂在二十年代在美國社會逐漸流行起來，同時對于爵士樂的需要要求增加更多的舞蹈樂隊。
因此出現(xiàn)了對樂隊的新要求，即在樂隊擁有三支乃至四支號的時候，合奏的地位要降低。
1924年，當Louis Armstrong加入了Fletcher Henderson的大樂隊時，就可以算作是搖擺大樂隊最早的出現(xiàn)。
樂隊中的唐·雷德曼的編曲大大輝映了短號手的松弛的演奏風格。
真正搖擺樂在流行樂壇的確立則要算是1935年Benny Goodman大樂隊的成功，直至1946年大樂隊時代的結(jié)束為止，搖擺樂一直是美國流行音樂的一支重要的力量。
搖擺樂不同于先前的新奧爾良爵士樂和迪克西蘭爵士樂，通常樂隊中的合奏更為簡化，同時是作為更為成熟的獨奏之間的反復演奏的連復段。
而個人的即興演奏也是主要是密切的建立在旋律的基礎之上，其原因主要是由于音樂技法的進步。
同以前的演奏相比，獨奏的演繹更具有冒險性。
在大樂隊時代結(jié)束之后，搖擺樂風格的音樂家仍然堅持這種風格演出，他們的演奏堪稱是一種主流的爵士樂。
代表人物 Count Basie Louis Armstrong Ella Fitzgerald 拉丁爵士（Latin Jazz） 拉丁音樂與爵士樂的結(jié)合早在三十年代就開始了，但是拉丁爵士真正的盛行則是在六、七十年代以后。
拉丁爵士的特點是在爵士樂的基礎上融入了大量的打擊樂器，同時也將復雜的拉丁節(jié)奏滲入到爵士樂之中。
從樂隊上看，除了爵士樂原有的樂器之外，像康加鼓、邦戈鼓、沙錘、牛鈴等打擊樂器成了樂隊的重要配置。
從節(jié)奏上看，各種復雜的拉丁節(jié)奏如曼波、探戈、倫巴等）和爵士樂的結(jié)合使其呈現(xiàn)出更加豐富的節(jié)奏色彩。
其中以興起于巴西波薩諾瓦（Bossa Nova）最為典型。
波薩諾瓦是曼波（Mambo）與冷爵士融合的結(jié)果，同時也吸取了一些桑巴（Samba）音樂 的特點。
它的音響效果不喧鬧，給人的直覺好像是歌手與聽眾聊天時的竊竊私語。
波薩諾瓦的旋律性不強，而且?guī)в泻芏嗟淖兓簦撬堑湫偷墓?jié)奏型（ ）卻在流行音樂中被廣泛的得到運用。
因此說拉丁爵士的吸引力主要來自于豐富的節(jié)奏律動。
熱情奔放的拉丁人民用他們的聰穎和智慧為爵士樂增添了一道帶有熱帶風情的異域之景。
代表人物： Stan Getz，1927～1991 Joao Gilberto Astrud Giberto razilian Jazz 巴西爵士樂 簡單的說，巴西爵士樂的音樂不同于一般音樂的節(jié)奏，在兩個小節(jié)中，有十六拍，其中的一，四，七，十一和十四拍是強拍。
這種風格興起于南美洲的巴西，甚至可以說是巴西版本的冷爵士樂。
代表人物 Lisa Ono Azymuth Luiz Bonf Post-Bop or Mainstream Jazz（后波普或現(xiàn)代主流） 后波普爵士樂與幾乎同時出現(xiàn)的自由派爵士樂有很大的不同。
后波普爵士樂的音樂雖然比傳統(tǒng)意義上的爵士樂更為強調(diào)即興演奏，這種風格的合奏卻有比較成型的結(jié)構(gòu)，完全不同于自由派爵士樂的音樂的游戲。
很明顯，幾乎同時出現(xiàn)的前衛(wèi)爵士樂和自由派爵士樂有許多相互重疊的地方，因此很多音樂家同時演奏這兩種風格的爵士樂。
在最出色的前衛(wèi)爵士樂作品中，人們很難聽得出作曲部分在什么時候結(jié)束，即興演奏部分從什么時候開始。
前衛(wèi)爵士樂的一個重要的目標就是使即興演奏自然地成為編曲部分的延伸和發(fā)展。
在六十年代，前衛(wèi)爵士樂和自由派爵士樂逐漸成熟之時，受到達兩種風格影響的主流爵士樂深深感受到這些非正統(tǒng)的爵士樂的危險。
前衛(wèi)爵士樂和自由派爵士樂一樣，成為了正統(tǒng)爵土樂批評的對象。
代表人物 Cecil Taylor Charlie Haden Max Roach 融合爵士（Fusion Jazz） 融合爵士興起于七十年代，是爵士樂的分支之一。
只要你有足夠的創(chuàng)新意識和膽量，任何音樂都可以成為爵士樂的調(diào)料。
如今所謂的融合爵士一般是指在爵士樂的基礎上融合了搖滾樂、世界音樂等成分，同時也融進一些流行音樂元素的爵士風格。
因此，融合爵士給人的感覺是既新鮮又流行，而又不失爵士樂的色彩。
從樂隊上看，融合爵士打破了傳統(tǒng)爵士樂隊一直以原聲樂器為主體的原則，它大量的使用電聲樂器和電子樂器，使其更具現(xiàn)代氣息。
比如用電貝司代替原聲貝司，用電子合成器代替鋼琴，電吉他使用效果器（傳統(tǒng)爵士樂一般不使用使用效果器）等做法都是一次大膽的創(chuàng)新。
從節(jié)奏形態(tài)上看，融合爵士經(jīng)常加強鼓和貝司的力度，制造出奔騰不息的節(jié)奏律動，鋼琴和吉他也從原來演奏旋律聲部轉(zhuǎn)變?yōu)楣?jié)奏樂器。
這種不規(guī)則的低音線條，瘋狂的貝司擊弦，厚重的搖滾節(jié)拍加上爵士樂的規(guī)則，有時又被稱為爵士放克（Jazz Funk）。
總之，融合爵士的電氣味重了，流行味濃，因此被人接受的可能度也就大了。
代表人物： Miles Davis，1926～1991 Herbie Hancock，1940～ Chick Corea，1941～ Bob James Dave Weckl Vocal Jazz（人聲爵士） 盡管并不是全部采用人聲爵士，20世紀的人聲爵士演繹大師大都采用爵士語言進行演奏。
從Russ Columbo，Doris Day到Johnny Mathis均將其天才與嗓音用于內(nèi)容的表達。
他們放棄了爵士器樂演奏家慣用的演繹標準的方式，而利用其即興演奏的天賦，音樂家的素養(yǎng)，甚至個性化，帶給了歌詞新的意義。
早期的一對巨匠，Louis Armstrong，Bing Crosby，留下了人聲爵士的標準：隨意卻不失焦點。
幾乎就是當時人聲爵士的專業(yè)標準。
從大樂隊集中的地區(qū)涌現(xiàn)出了大批爵士演唱家，幾乎都是后來的大師級人物：Frank Sinatra， Billie Holiday， Ella Fitzgerald， Anita ODay, Sarah Vaughan，Peggy Lee, Joe Williams；他們均和搖擺舞樂隊共事過很長一段時間，多數(shù)在人聲爵士風格開始時因此取得了巨大成功。
盡管區(qū)分人聲爵士演唱家與傳統(tǒng)流行樂歌手并不總是那么容易，很多爵士節(jié)目單還是以演奏內(nèi)容來作目錄的。
人聲爵士與爵士獨奏家們展開了競爭。
他們那時通常拒絕與無名樂隊和具有流行音樂元素的樂隊合作。
而選擇與真正天賦稟異的組織者（Nelson Riddle, Billy May）以及真正偉大的作家合作（Irving Berlin, Cole Porter, the Gershwins）。
和40, 50年代的人聲爵士演唱家汲取了搖擺舞的風格一樣，后波普歌手們也用他們自己的經(jīng)驗來演繹瘋狂的節(jié)拍，實驗爵士器樂演奏家的獨奏。
Lambert, Hendricks, Ross陶醉在狂熱的合聲中，而Betty Carter, Mark Murphy, Abbey Lincoln 則發(fā)掘出更激進的即興演奏方式。
盡管70到80年代，人聲爵士演奏家日趨減少，還是有很多藝術(shù)家堅持不懈，繼續(xù)這種風格。
學爵士吉他后，可以很輕松地為流行音樂即興伴奏嗎
要看你自身的音樂素質(zhì)啊，不是學會一門樂器都能急性伴奏的。
爵士音樂和民謠有什么區(qū)別
爵士樂可以沒有歌詞，曲子聽起來大多輕快有節(jié)奏，可以跟著節(jié)奏搖擺~爵士樂的音樂中帶有強烈的情緒，甚至不需要樂譜都可以，即興創(chuàng)作也是爵士很重要的一部分。
民謠在每個國家各有特色，但是大多數(shù)的民謠都很溫柔、歌詞優(yōu)美，很少有民謠是沒有歌詞的，民謠主要靠歌詞來表達情緒，曲反而不是最重要的部分。
簡單來說民謠可以自己背一把吉他浪跡天涯，而沒有樂隊的爵士樂是基本不存在的~
什么是雷鬼。
藍調(diào)。
R&B。
還有電音，搖滾，爵士，每種給幾首歌聽一下
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雷鬼音樂 一種由斯卡（Ska）和洛克斯代迪（Rock Steady）音樂演變而來的牙買加流行音樂。
事實上，很難在洛克斯代迪和雷鬼之間劃出明確的界限。
只是后者較前者更為細膩，更多地使用電聲樂器和更加國際化。
如果說斯卡音樂還只是在美國流行音樂的影響下產(chǎn)生的一種拉美流行音樂的話 ，那么雷鬼則已發(fā)展成為歐美搖滾樂主流中的一種重要體裁了。
在1968年左右形成于牙買加(Jamaica)起因是在"60年代，美國音樂工程師興起和引導的一種音樂表現(xiàn)方式，部分音樂工程師因此出走，尋求靈感。
其中有一些來到牙買加。
牙買加境內(nèi)原本就有一些游唱藝人存在，所以一直有股民謠氣息在醞釀著；所以這一批美國音樂工程師的到來，對牙買加而言不啻是個提升音樂水準的契 機。
加上當?shù)氐臉穾熡掠趧?chuàng)新，肯於接受外來事物，于是給予新音樂的創(chuàng)造背景。
雷鬼音樂發(fā)源于牙買加，其根源來自New Orleans的R&B。
當時牙買加的樂手根據(jù)廣播中聽到的New Orleans快節(jié)奏R&B，發(fā)展成屬于自己的R&B音樂。
這種稱為Ska的音樂型態(tài)，在當時60年代相當盛行。
然而在一次非常熱的夏天， 當?shù)氐娜藷o法在高溫的戶外彈奏如此快節(jié)奏的音樂及跳舞。
當?shù)氐臉肥志蛯⒁魳贩怕纬闪?Reggae音樂。
Reggae這個字是源自于「Ragged」，代表牙買加不修邊幅的舞蹈形式。
而在"60年代中期，牙買加已形成一種音樂形態(tài)「Ska」，基本上已有雷鬼的影子在，但這種音樂的節(jié)奏很快；后來又發(fā)展成「Rock Steady」，節(jié)奏變得比Ska慢，再經(jīng)轉(zhuǎn) 變之后，并融入「Soul」(靈魂樂)，於"68年左右，「Reggae」正式成形。
雷鬼音樂結(jié)合了傳統(tǒng)非洲節(jié)奏，美國的節(jié)奏藍調(diào)及原始牙買加民俗音樂， 這種風格包含了”弱拍中音節(jié)省略”，“向上拍擊的吉他彈奏”， 以及”人聲合唱”。
歌詞強調(diào)社會、政治及人文的關懷。
雷鬼樂是早期牙買加的流行音樂之一，它不僅融合了美國節(jié)奏藍調(diào)的抒情曲風，同時還加入了拉丁音樂的熱情。
另外，雷鬼樂十分強調(diào)vocal的部份，不論是獨唱或合唱，通常它是運用吟唱的方式來表現(xiàn)，并且藉由吉他、打擊樂器、電子琴或其他樂器帶出主要的旋律和節(jié)奏。
而在雷鬼樂當中，你還會發(fā)現(xiàn)電貝斯占了相當重要的比例
雷鬼樂是屬于四四拍的音樂，重音落在第二和第四拍。
從音樂中大鼓的部份，我們可以清楚的聽出一個明顯的節(jié)奏和固定的旋律線。
擁有自成一派、懶洋洋的獨特節(jié)奏。
Reggae的誕生頗為輾轉(zhuǎn)：它演變自Ska，一種急速，結(jié)集?古巴\\\/非洲爵士樂及美國節(jié)奏藍調(diào)的音樂，后來經(jīng)美國新奧爾良的樂手改良后變成了雷鬼，再傳回牙買加。
雷鬼與搖滾樂一樣，只是一個統(tǒng)稱，其支派非常多，有迷幻的Dub、類似R&B的Rocksteady、跳舞節(jié)奏的Ragga，Dancehall Rapping等等，是牙買加最聞名的出產(chǎn) 推薦雷鬼樂歌手: Bob Marley : 有人尊稱他為「雷鬼樂之父」，為牙買加人。
他的音樂到他去世( 1981年5月)之后才廣為世人推崇。
UB40 : 英國曼徹斯特起家，致力推廣雷鬼樂不遺余力。
有人稱他們?yōu)椤咐坠順方谈浮? 個人推薦歌曲:Bob Marley 的早期專輯的一首歌 <
藍調(diào)起源于過去美國黑人奴隸的靈魂樂、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和圣歌。
藍調(diào)中使用的“藍調(diào)之音”和啟應的演唱方式都顯示了它的西方來源。
藍調(diào)對后來美國和西方流行音樂有非常大的影響，拉格泰姆、爵士樂、藍草、節(jié)奏藍調(diào)、搖滾樂、鄉(xiāng)村音樂和普通的流行歌曲，甚至現(xiàn)代的中都含有藍調(diào)的因素或者是從藍調(diào)發(fā)展出來的。
[1]在詩歌里這個詞常被用來描寫憂郁情緒。
藍調(diào)一詞是與“藍色魔鬼”（Bluedevils）一致的意思，意思是情緒低調(diào)、憂傷、憂郁。
早在1798年喬治·科曼就寫過一部名為的滑稽戲。
19世紀里這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。
在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。
1912年孟菲斯威廉··漢迪的是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。
藍調(diào)音樂始于二十世紀初美國的南部。
其中亦混合了在教會中類似朗誦形式的節(jié)奏及韻律。
這種音樂有一種很明顯的特式，便是使用類似中國民俗唱山歌的“一呼一應”的形式進行，英文叫作“Call and Reponse”。
樂句起初會給人們一種緊張、哭訴，無助的感覺，然后接著的樂曲便像是在安慰、舒解受苦的人。
就好像受苦的人向上帝哭訴，而其后得到上帝的安慰與響應
所以藍調(diào)音樂很著重自我情感的宣泄和原創(chuàng)性或即興性，這種即興式的演奏方法，后來慢慢地演變?yōu)楦鞣N不同類形的音樂，如Rock and Roll、Swing、Jazz......所以藍調(diào)亦是現(xiàn)代流行音樂的根源。
至于口琴被廣泛用于藍調(diào)音樂中是起始于約二十年代中，那時候在美國當?shù)赜泻芏嘟诸^藝人表演音樂，他們常用樂器是五弦琴、鼓、和一種叫“pan quill pipes”的吹奏樂器。
而由于吉他和口琴的性能比這些傳統(tǒng)樂器好和更適合于空曠的地方表演，所以漸漸地口琴便常被用作吹奏藍調(diào)音樂。
及后三十年代左右，很多黑人移往大城市芝加哥居住，藍調(diào)音樂和藍調(diào)口琴亦隨之在芝加哥這地開支散葉，及后更自成一派名為Chicago Blues。
在聽藍調(diào)音樂的時候，你會發(fā)覺它們好像都依著一個相同的曲式來進行。
其中原因是因為藍調(diào)音樂會常用到一種標準曲式，名為12 Bar Blues。
由于藍調(diào)成形于其個人表演，因此要指出所有藍調(diào)的共同特征很難。
但在現(xiàn)代藍調(diào)出現(xiàn)以前所有的美國黑人音樂有一定的共同點。
最早的藍調(diào)式的音樂是一個“功能式的表達，其啟應的歌唱沒有任何伴奏、和諧，不拘束于任何形式，沒有任何特別的音樂結(jié)構(gòu)。
”這些從奴隸田野工作時的叫喊和呼喚來源的藍調(diào)以前的音樂逐漸擴展為“簡單的、帶有感情內(nèi)容的單聲歌”。
今天的藍調(diào)可以看作是基于歐洲的和弦結(jié)構(gòu)和從非洲的啟應傳統(tǒng)上發(fā)展為歌唱與吉他的交替演奏的音樂。
許多藍調(diào)的元素，比如啟應的形式和使用的藍調(diào)之音都可以追蹤到非洲音樂。
西爾維安·迪歐弗（Sylviane Diouf）指出一定的特征——比如使用花音（melisma）和輕的、鼻音聲調(diào)——似乎說明藍調(diào)與中非和西非音樂的聯(lián)系。
民族音樂學家格哈特·庫比克（Gerhard Kubik）可能是第一個指出藍調(diào)的一定元素來自非洲的人。
比如庫比克指出漢迪在他的自傳里所描寫的使用刀刃來彈吉他的密西西比技術(shù)在西非和中非文化里非常普遍，當?shù)氐念愃萍亩幌邑Q琴（Kora）是最常用的歌唱伴奏弦樂器。
這個技術(shù)包括吉他手用刀壓吉他的弦，它可能是滑音吉他（Slide guitar）技術(shù)的來源。
后來藍調(diào)又吸收了黑人音樂中走唱秀（minstrel show）和黑人圣歌（Spiritual），包括其樂器和和弦伴奏。
藍調(diào)與拉格泰姆的關系也很密切，不過藍調(diào)更好地保存了“原始非洲音樂的旋律結(jié)構(gòu)”。
[5]早期的歌的結(jié)構(gòu)非常不同。
在鉛肚（Leadbelly）和亨利·托馬斯的錄音中可以找到這個時期的歌。
但是后來基于主音和聲、次屬音和聲和全桔第五音和聲的藍調(diào)形式成為最普及的形式。
今天被看作是典型的12節(jié)藍調(diào)是1900年代初在下游的黑人社群中出現(xiàn)的，這個過程既有口述歷史也有樂譜的紀錄。
孟菲斯的比爾大街是早期藍調(diào)形成的地方之一。
個人推薦歌曲:藍調(diào)女王Sarah Connor的<
融合了爵士樂,福音音樂和藍調(diào)音樂的音樂形式。
這個音樂術(shù)語由是美國告示牌雜志（Billboard）于1940年代末所提出。
它衍生了多種不同音樂類型，如我們熟悉的Rock"n"Roll，Disco和Rap，都可算是由R&B發(fā)展而成。
R&B的前身，出現(xiàn)在40年代的美國黑人區(qū)。
那時，負擔得起多姿多采娛樂的人不多，熱愛音樂的黑人就喜歡茶余飯后聚集街頭，以吉他和口琴等簡單樂器玩奏音樂，一抒生活、工作、離鄉(xiāng)別井等種種感受。
這就發(fā)展出藍調(diào)(Blues)——R&B的前身。
隨著錄音帶的發(fā)明，和越來越多的小型電臺出現(xiàn)，藍調(diào)音樂開始跳出黑人圈子，在芝加哥流行起來。
不知是否因藍調(diào)音樂說愁說得太久，樂迷都渴望聽到節(jié)奏感強、調(diào)子節(jié)拍明快，內(nèi)容又不太悲傷的藍調(diào)歌曲。
但r&b這個術(shù)語最初在1947年的美國被公告牌雜志的Jerry Wexler創(chuàng)造為一個音樂的市場營銷術(shù)語,取代了種族音樂(最初來源于the black community,但是被戰(zhàn)后的社會認為會令人很不愉快的詞語) and the Billboard category Harlem Hit Parade in June 19
【第49句】： 這個詞最初被用于定義包含了12種布魯斯格式and boogie-woogie with a back beat的搖滾音樂，后來這種音樂轉(zhuǎn)變成了一種rock and roll的基礎元素。
在 “Rock & Roll: An Unruly History” (1995)中 Robert Palmer 把節(jié)奏布魯斯定義為a catchall rubric 用來refer 任何一種美國黑人創(chuàng)造的音樂。
在他1981年出版的 “Deep Blues”中， Palmer 用 r&b作為跳躍布魯斯的縮寫. Lawrence Cohn, “Nothing But the Blues”的作者, 寫到節(jié)奏布魯斯是一個umbrella term industry convenience為所發(fā)明的, 除了和宗教音樂，節(jié)奏布魯斯包括了所有的黑人音樂，除了那是一首福音歌并且其銷售足以打入流行榜。
在1960年代, 節(jié)奏布魯斯被用于總括靈魂和funk音樂的術(shù)語。
而現(xiàn)在R&B的縮寫差不多一直被用于代替full節(jié)奏布魯斯，參考有迪士高發(fā)展而來的現(xiàn)代靈魂和funk影響的流行音樂， 這個詞的主流運用變得不那么流行。
樂手們順應大眾口味的轉(zhuǎn)變，在作品中加入鋼琴、鼓、色士風和當時的超新科技——電子吉他，讓聽眾可隨著這種節(jié)奏感(Rhythm)強的新派藍調(diào)音樂(Blues)起舞，成就了經(jīng)典的「節(jié)奏怨曲」。
我們也不能忘掉經(jīng)典的new jack swing時代，那時代的r&b是和r&b的大融合，一個個的專輯都是經(jīng)典的new jack swing快節(jié)奏歌曲加上2-3首ballad，這是那時代統(tǒng)一的標準。
個人推薦歌曲:的代表作<>, Usher的, Mariah Carey的`《we belong together》,NE-YO的所有歌曲都可以聽聽. 電音 用數(shù)碼信號模擬各種樂器音色，從而制作（或演奏）出來的音樂為電子音樂；通常由計算機或合成器模擬。
有兩種方式實現(xiàn)：
【第1句】：將樂譜輸入計算機，制作成擴展名為mid的文件，由計算機直接可以播放，這是我們通常所說的MIDI；再進一步還可以通過錄音制作成MP
【第3句】：MP4或CD格式，制作成可用于銷售的CD唱片；
【第2句】：直接由電子合成器模擬樂器音色，有合成器演奏員直接演奏出來。
也屬于電子音樂的范疇 這類音樂應該是屬於21世紀的新流派音樂. 個人推薦歌曲:Maxim的<
搖滾不僅是一種音樂形態(tài)，實際上它是一種“人生的態(tài)度和哲學”，也正因為如此，搖滾樂才有別于一般流行音樂(Pop Music)。
真正的搖滾文化至少可以提煉出這樣一個縮微的全貌：嬉皮文化、藝術(shù)搖滾、朋克樂、先鋒音樂、重金屬等。
從20世紀50年代起，人們在廣播和唱片中熟悉了一種新的流行音樂，這種音樂每一拍節(jié)奏都非常強烈，歌詞寫的也十分新鮮，一下子征服了許多美國人的心。
1951年，美國克利夫蘭電臺首次播放這類音樂時，為了使聽眾感到新穎，一位名叫艾倫·弗里德的播音員在播放前介紹時，給這種聲音命名為“搖滾樂”。
據(jù)說該名取自黑人一首淫穢的歌曲，叫做《我的寶貝以固定的滾動搖曳我》。
1955年，一位名叫比爾·哈雷的歌星演唱并錄制了一張名叫《不停的搖滾》的唱片，引起了極大的轟動，前后出售了1500多萬張，成為世界上最暢銷的唱片之一，搖滾音樂的名稱便由此而來。
早在30年代初期美國就有首歌叫做Rock&Roll，但當時并沒有這種音樂名稱。
此一名詞出現(xiàn)最被大家認識是DJ- Alan Freed于1951年在他的廣播節(jié)目中首先使用了『搖滾音樂會』這個名稱，據(jù)說紐約現(xiàn)今仍尊稱他為搖滾樂之王。
而又在比爾亨利-Bill Haley和他組的彗星樂團-His Comets以一曲Rock Around The Rock于55年在排行榜呆了8周之久，在此曲大放異彩的推波助瀾下，Rock便為世人所熟知，是故有人稱1955年為Rock Era，而比爾亨利也得搖滾之父的雅號。
早期搖滾的音樂來源非常廣泛，主要的包括布魯斯、R&B、和鄉(xiāng)村音樂，其它還有福音音樂、傳統(tǒng)的流行樂、爵士、以及民間音樂。
所有的這些影響加在一起構(gòu)成了一種簡單的以布魯斯為基礎的歌曲結(jié)構(gòu)，它是快速的、適于跳舞的、而且容易讓人記住的。
第一批搖滾明星們 — Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Bo Diddley, Bill Haley, Gene Vincent, the Everly Brothers, Carl Perkins,還有好多其它的明星 — 確立了搖滾樂的模式，并且在以后的四十年內(nèi)都一直為人們所追隨。
在每一個十年當中，總是有很多藝人復制著第一批搖滾樂手們的音樂，而剩下的那些藝人，有的擴大了搖滾原先的定義、有的則徹底打破了這種流派被限定的模式。
從英式入侵、民間搖滾、迷幻搖滾，再到硬搖滾、重金屬、華麗搖滾，再到朋克，事實上每一種搖滾的分支流派在產(chǎn)生的最初都是忠于搖滾最基本的結(jié)構(gòu)的。
但是一旦這樣的改變發(fā)生，傳統(tǒng)的搖滾就從流行榜上漸漸消失了 — 當然，也有一些藝人始終都保持著光芒。
有一些樂隊，比如 the Rolling Stones 和 the Faces,他們始終堅持著傳統(tǒng)搖滾最基本的規(guī)則，但他們把音樂做得更加快速更加自由。
其它的一些樂隊，比如原型朋克the Velvet Underground, the New York Dolls, 以及 the Stooges,他們保留了基礎的音樂結(jié)構(gòu)，但他們的行為中有了更多威嚇性的元素。
還有一些藝人成為了搖滾的傳統(tǒng)主義者，比如 Dave Edmunds 和 Graham Parker, 他們寫的歌出的唱片，從來就沒有離開過50年代末60年代初的搖滾模式。
雖然在搖滾出現(xiàn)后的這幾十年里，搖滾這個詞已經(jīng)開始指代越來越多不同的音樂風格，但是這種音樂的本質(zhì)從未改變過。
緣于美國的搖滾樂在60年初終于發(fā)生了巨變，那就是由The Beatles開始一群英國樂團在一瞬間打進了美國市場，就有人將這件事稱為第一次英倫入侵，不過還好當時在美國仍有一些團和他們分庭抗禮，如組合相似披頭而曲風充滿沙灘、陽光、美女、浪板等加州美景的Beach boys 。
此外充滿民族曲風的名謠搖滾亦緊接而生，但除了Bob Dylan外，以居爾特或愛爾蘭等曲風鮮明的英國歌手亦不乏其中，但在60年代末美國樂團又再次主領大局，那就是以3J(Jim morrison、Jimi Hendrix及Janis Joplin)引領而起的迷幻搖滾成為當時最受歡迎的搖滾樂，不過除了Grateful Dead外大部分的迷幻團都相當早夭，在迷幻搖滾勢微后，隨即邁入風光的搖滾年代。
經(jīng)由60年代的鋪陳，遂使70年代的搖滾曲風豐富至極，由David Bowie引領而起的華麗搖滾就是在70初崛起的，此外為了不囿于既有的搖滾類型，前衛(wèi)搖滾、古典搖滾和藝術(shù)搖滾也隨即而起并成為當時樂界的新像，既而爵士搖滾亦逐漸揚名，此外橫跨整個70~80年代最受歡迎且最長壽的重搖滾（重金屬）產(chǎn)生了，或許在現(xiàn)在而言Led Zeppelin、Deep Purple、Black Sabbath的分貝solo，然而在當時可說是震耳欲聾的搖滾類型了，此后經(jīng)由不斷的演進heavy metal一直受搖滾迷的青睞，此外在70年代還有跟HM曲風迥異的鄉(xiāng)村搖滾、加州搖滾和南方搖滾亦深受歡迎。
假若我們說60年代的盛事是英倫入侵，那70年代的盛事非瞬間竄起于70年代末的龐克搖滾莫屬，但就如60年代末的迷幻搖滾般，龐克亦不長命。
進入80年代除了初期仍還有龐克風外，夾著70年代余威的重金屬便成為領導地位，且?guī)缀躏L光的80年代都是由重搖滾(重金屬)攏斷，但他們?nèi)允乔笮虑笞兊模L格決不同以往，故又有新浪重金屬的稱號，在重搖滾的強勢下，除了藍領搖滾、流行搖滾和融合雷鬼曲風的搖滾外，要能闖出一片天就得以技巧取勝，所以一些強調(diào)速彈和速度的搖滾遂應運而生，而他們引起的風潮亦不容小覷，至今速金仍然有廣大的聽眾。
接著90年代初期引領搖滾潮流的即是西雅圖之聲油漬搖滾，但隨即被充滿電子音樂的英倫搖滾所淹沒，而因這些來自英國各地的樂團很快的征服新一代的搖滾迷，故將之稱為第二次英倫入侵。
此外90年代末期帶有龐克風或充滿電音的的一些另類搖滾也虜獲相當多的歌迷。
或許搖滾風潮不在，承如麥克阿瑟所言老兵不死只是凋零，但搖滾新血不斷產(chǎn)生，電音、工業(yè)、嘻哈...，或許搖滾曲風已不若以往，但至少是另一種搖滾型態(tài)的延續(xù)。
個人推薦歌曲: The Beatles的<
爵士 爵士樂：是爵士舞起源的重要原動力，但現(xiàn)代爵士舞也受到古典音樂、搖滾樂、迪斯可和hip hop得影響，發(fā)展出modern-jazz、disco-jazz、rock-jazz、new-jazz等。
爵士的起源(1)：Ragtime Blues與已有形式融合 事情發(fā)生在1917年的一個夜晚，在紐約的一家名叫賴森威的夜總會里出現(xiàn)了一個由五個白人組成的樂隊，他們自稱為“正宗狄克西蘭爵士樂隊”，他們演奏著一種十分新奇的音樂，這種音樂似乎有一種特殊的魅力，使跳舞的人感到十分輕松，而且越跳越高興。
第二天一家雜志對這一事件進行了報道和評論，立即在社會上產(chǎn)生了很大反響。
隨后，這一樂隊錄制的唱片也被人們競相購買，同時，爵士這一次也成為美國詞匯中的常用詞了。
它們還鮮有那種衍生出現(xiàn)代爵士樂的基本特征(即興，音色、音高與時值上的微妙變化)。
一些熱衷于報道爵士音樂的專欄作者與觀察者，通常本身并非是受過專門訓練的音樂研究者。
當我們想從他們的報道中了解些專業(yè)的知識時經(jīng)常會陷入困窘之中，因為訪談中記錄下的對話通常很少涉及實質(zhì)性的問題(從早期爵士樂手演奏角度提問的)。
采訪者幾乎不會問及這些早期音樂家有關音樂方面的關鍵性問題，而把采訪角度傾向于個人經(jīng)歷與社會話題上。
即使采訪者問及探索音樂方面的問題，被采訪者的如實回答也比不上一段真實的音樂資料來得準確與有價值。
爵士樂的起源問題始終籠罩著一層迷霧，然而，接下來我們還是嘗試著整合一下從各個角度對這個問題的研究成果。
當你閱讀時，始終要記著爵士樂并不是完全這樣起源的，即使這些觀點看上去多么得合理與符合邏輯。
爵士樂源自于二十世紀初期新奧爾良一帶民間音樂、流行音樂、古典音樂的融合。
它至少是由兩股潮流演變發(fā)展而來，一是美國黑人在音樂上的創(chuàng)造性的貢獻－Ragtime和Blues，這在后面我們會談到；其二是一些已有的音樂形式(當時的流行音樂、進行曲、四對舞曲quadrilles等等)表演上往兩個特殊方面的不斷探索。
一種是強調(diào)色彩化地變換音高，這種音高變換在正統(tǒng)的歐洲音樂中會被視為離調(diào)、走音，但在爵士樂中卻很常見不被看作為是出錯或非正規(guī)的演奏技巧；另一種是強調(diào)音色的粗獷與變化。
這兩種以外還有一種特殊的演奏方式被稱為Ragging，Ragging是指為了選擇音符切進或強調(diào)重音而搶拍、拖拍的手法，它把本不切分的音型進行切分處理來造成Ragging的效果。
這使得音符與音符以一種含糊不清的方式來連接，而重音則起到一種推動音符和使之生動化的作用，最終導致我們現(xiàn)在視作為爵士樂的特殊節(jié)奏效果的形成，也是爵士搖擺感的構(gòu)成基礎之一。
但是一般的學者在這一點上不全這么認為，他們中大多數(shù)把爵士樂的搖擺感看作是非洲或美國黑人的一大貢獻。
個人推薦歌曲：卡桑德拉·威爾森的《新月的女兒》，Sade的那張《Lovers Rock》的專輯所有歌曲都可以去聽聽。
